THEA MARIS
MOSTRA DIFFUSA MARATEA 2025
di Anna Caterina Masotti
a cura di Laura Frasca
MOSTRA DIFFUSA MARATEA 2025
di Anna Caterina Masotti
a cura di Laura Frasca
THEA MARIS RITORNO ALL'ORIGINE
Risonanze del Mare tra infinito ed abisso.
Una Mostra Diffusa come Strumento di Percezione
Laura Frasca
La mostra diffusa di Anna Caterina Masotti si presenta come un’esperienza che trascende la mera immagine. Un invito a un viaggio meditativo, dove mito e natura si flettono in una narrazione visiva che sfida la percezione. Le fotografie, scattate a Maratea, diventano non solo rappresentazioni del paesaggio ma strumenti di una percezione amplificata, un esercizio di astrazione che chiede all’osservatore di interrogarsi sulle relazioni tra passato e presente, tra generazioni e archetipi. Maratea, con il suo equilibrio tra mare e montagne, assume un ruolo di soggetto e di medium.
Risonanze del Mare tra infinito ed abisso.
Una Mostra Diffusa come Strumento di Percezione
Laura Frasca
La mostra diffusa di Anna Caterina Masotti si presenta come un’esperienza che trascende la mera immagine. Un invito a un viaggio meditativo, dove mito e natura si flettono in una narrazione visiva che sfida la percezione. Le fotografie, scattate a Maratea, diventano non solo rappresentazioni del paesaggio ma strumenti di una percezione amplificata, un esercizio di astrazione che chiede all’osservatore di interrogarsi sulle relazioni tra passato e presente, tra generazioni e archetipi. Maratea, con il suo equilibrio tra mare e montagne, assume un ruolo di soggetto e di medium.
L'Ombra del Mare
Il mare stesso emerge come simbolo: fonte di metamorfosi e di unioni mitologiche, un grembo che richiama Afrodite, simbolo di nascita e bellezza. La rappresentazione di questo mito non è mai statica, ma vibrante, pulsante, un’immagine che si anima attraverso l’uso di materiali leggeri e trasparenti come seta e chiffon, che grazie alla luce si fanno portatori di un’interazione tra superficie e profondità. Ogni riflesso, ogni gioco di trasparenze diventa un campo di tensione tra fisicità e immaterialità, tra forma e vuoto.
Le trame tessute con fili dorati, bronzei e neri sono più che ornamenti: diventano segni di cura, azioni di un rapporto che si prolunga tra opera e percezione. Trasformano le onde in paesaggi immaginari, non solo come finzione ottica, ma come manifestazioni di processi creativi e di rigenerazione. La grande scala delle opere – alcune alte fino a quattro metri – amplifica questa tensione tra presenza e assenza, tra materia e luce, tra il codice visivo e il mistero che si cela dietro. Ogni immagine si converte in un’allegoria: il mare non è solo sfondo, ma cornucopia universale, pulsante di senso, custode di miti e di rinascite. La mostra diviene anche spazio di riflessione sulla maternità come metafora di creazione, di trasformazione e resilienza. La presenza della giovane figlia dell'artista – simbolo del passaggio e della crescita – si inserisce in questo continuum, dando corpo a una narrazione che va oltre l’individuale, alludendo all’intreccio tra archetipi e realtà contemporanea. In questa operazione, la percezione visiva non è casuale. È strutturata secondo i principi della psicologia della Gestalt, che indaga come la mente umana organizza e interpreta gli stimoli. La disposizione degli elementi – linee, forme, rapporti di prossimità – diventa strategia di un’intelligenza che rende chiaro e immediato ciò che è complesso, infiltrandosi nel modo in cui guardiamo e sentiamo. La chiarezza non elimina il mistero, ma lo rende esplicito, creando un campo percettivo in cui l’immagine diventa un dispositivo di senso, in costante dialogo con la soggettività dell’osservatore.
Le trame tessute con fili dorati, bronzei e neri sono più che ornamenti: diventano segni di cura, azioni di un rapporto che si prolunga tra opera e percezione. Trasformano le onde in paesaggi immaginari, non solo come finzione ottica, ma come manifestazioni di processi creativi e di rigenerazione. La grande scala delle opere – alcune alte fino a quattro metri – amplifica questa tensione tra presenza e assenza, tra materia e luce, tra il codice visivo e il mistero che si cela dietro. Ogni immagine si converte in un’allegoria: il mare non è solo sfondo, ma cornucopia universale, pulsante di senso, custode di miti e di rinascite. La mostra diviene anche spazio di riflessione sulla maternità come metafora di creazione, di trasformazione e resilienza. La presenza della giovane figlia dell'artista – simbolo del passaggio e della crescita – si inserisce in questo continuum, dando corpo a una narrazione che va oltre l’individuale, alludendo all’intreccio tra archetipi e realtà contemporanea. In questa operazione, la percezione visiva non è casuale. È strutturata secondo i principi della psicologia della Gestalt, che indaga come la mente umana organizza e interpreta gli stimoli. La disposizione degli elementi – linee, forme, rapporti di prossimità – diventa strategia di un’intelligenza che rende chiaro e immediato ciò che è complesso, infiltrandosi nel modo in cui guardiamo e sentiamo. La chiarezza non elimina il mistero, ma lo rende esplicito, creando un campo percettivo in cui l’immagine diventa un dispositivo di senso, in costante dialogo con la soggettività dell’osservatore.
L'Infinito
Spazi di connessione
Le location scelte non sono semplici cornici, ma partecipano attivamente al racconto. Gli spazi espositivi amplificano il significato delle opere, trasformando la visita in un itinerario sentimentale tra storia e identità di Maratea. La luce, elemento chiave nella poetica di Anna Caterina, trasforma ogni immagine in un oggetto di contemplazione. Ogni ricamo, ogni trasparenza, si carica di un senso di cura e connessione.
Tra i luoghi che ospitano la mostra:
•L’Associazione Altri Turismi: una bottega artigianale convertita in galleria contemporanea, simbolo del dialogo tra tradizione e innovazione.
• Le chiese di Maratea: come la Chiesa dell’Immacolata, di San Francesco e della Madonna di Porto Salvo. Questi spazi sacri arricchiscono la dimensione spirituale delle opere, offrendo un contesto di raccoglimento.
•Il Palazzo De Lieto: un ex ospedale settecentesco, ora polo museale. Qui, i temi della mostra – cura, trasformazione, rinascita – trovano una risonanza naturale. In questi contesti, le opere instaurano un dialogo profondo con la storia e la memoria dei luoghi.
Thea Maris non è solo un’esposizione, ma un’esperienza sensoriale e intellettuale che invita a riflettere sul legame inscindibile tra natura e umanità.
Le location scelte non sono semplici cornici, ma partecipano attivamente al racconto. Gli spazi espositivi amplificano il significato delle opere, trasformando la visita in un itinerario sentimentale tra storia e identità di Maratea. La luce, elemento chiave nella poetica di Anna Caterina, trasforma ogni immagine in un oggetto di contemplazione. Ogni ricamo, ogni trasparenza, si carica di un senso di cura e connessione.
Tra i luoghi che ospitano la mostra:
•L’Associazione Altri Turismi: una bottega artigianale convertita in galleria contemporanea, simbolo del dialogo tra tradizione e innovazione.
• Le chiese di Maratea: come la Chiesa dell’Immacolata, di San Francesco e della Madonna di Porto Salvo. Questi spazi sacri arricchiscono la dimensione spirituale delle opere, offrendo un contesto di raccoglimento.
•Il Palazzo De Lieto: un ex ospedale settecentesco, ora polo museale. Qui, i temi della mostra – cura, trasformazione, rinascita – trovano una risonanza naturale. In questi contesti, le opere instaurano un dialogo profondo con la storia e la memoria dei luoghi.
Thea Maris non è solo un’esposizione, ma un’esperienza sensoriale e intellettuale che invita a riflettere sul legame inscindibile tra natura e umanità.
Nata dal Mare
Nel cuore antico di Maratea, il Palazzo de Lieto si staglia come testimone di secoli di storia e cultura, trasformandosi in un simbolo di continuità tra passato e presente. Questo edificio nobiliare settecentesco, con la sua elegante loggia, il grande portale in pietra e i dettagli scolpiti che richiamano il decorativismo del XVIII secolo, custodisce al suo interno una ricca collezione di ricordi e storie. La pinacoteca, dedicata al pittore Angelo Brando, e la sezione archeologica, con le antiche ancore romane recuperate dai fondali marini di Santo Janni, costituiscono un continuum tra il territorio, il mare e l’espressione artistica. Le opere di Anna Caterina Masotti, ispirate ai simbolismi marini e mitologici legati alla dea Afrodite, trovano in questi ambienti un ulteriore contesto di senso. La mostra esplora il mito di Venere, dea dell’amore e della bellezza, e il suo collegamento con il mare, elemento centrale nella storia di Maratea. La presenza delle ancore romane, icone di stabilità e viaggio, si inserisce nel dialogo tra l’archeologia e la memoria collettiva. In particolare, l’ancora chiamata Venus, evocativa della nascita di Venere dalla spuma del mare, diventa il simbolo di rinascita, purezza e radicamento nel territorio. Le opere leggere e impalpabili di Masotti, realizzate con fili dorati e raffinate tecniche di ricamo, dialogano con gli elementi archeologici e figurativi del luogo, creando contrasti tra solidità e leggerezza, tra memoria storica e immaginario mitologico. La scelta di richiamare l'elemento marino sulle pareti della pinacoteca – pezzi di piccole dimensioni che richiamano la forza sottile e il mistero del mare – arricchisce ulteriormente il percorso espositivo, sottolineando il legame tra le tradizioni marinare e simbolismi archetipici. Lo stesso percorso di restauri e valorizzazioni del palazzo mette in luce come l’arte contemporanea sia particolarmente adatta a dialogare con i territori e i simboli che li rappresentano, creando un ponte tra la conservazione storica e l’espressione attuale. Il progetto artistico Thea Maris, dunque, si fa portavoce di un’identità che si nutre di mare, archeologia, storia e femminilità, in un luogo dove il patrimonio si reinventa e si rinnova attraverso l’arte, contribuendo a scrivere nuove pagine nella memoria della comunità di Maratea.
Il Sussurro del Mare
Spazio Espositivo Altri Turismi ETS: Dove tradizione e contemporaneità si incontrano all’interno dell’ex falegnameria di Strada Sospiro, le opere di Anna Caterina Masotti trovano una dimora che amplifica il loro significato. Le stampe fotografiche ricamate su seta e chiffon, insieme a immagini trasferite su ceramica e lampade scultoree, incarnano la stessa cura artigianale che un tempo caratterizzava la lavorazione del legno in questo spazio. Ogni pezzo è unico, combinando materiali pregiati e design raffinato per celebrare l’incontro tra tradizione e innovazione. Queste opere, pensate anche per l'acquisto, rappresentano una continuità ideale tra il passato artigiano del luogo e l’estetica contemporanea della mostra. La seta con la sua trasparenza e leggerezza, interagisce con la luce, trasformando lo spazio espositivo in un ambiente dinamico e meditativo, mentre le ceramiche e le lampade richiamano la solidità e la tangibilità delle creazioni del passato. In questo contesto, lo Spazio Espositivo Altri Turismi ETS diventa più di una semplice cornice: è un nodo vitale in cui la storia del luogo e la narrazione visiva di Thea Maris si intrecciano.
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Chiesa dell’Immacolata: Nella delicata cornice della Chiesa dell’Immacolata, le opere di Anna Caterina Masotti dialogano con i dettagli e le superfici che la caratterizzano: gli stucchi appena accennati, le maioliche colorate, la pietra levigata e il calore del legno. Le installazioni, imponenti nelle dimensioni e leggere nei materiali, cercano un punto di equilibrio tra presenza e trasparenza. Ricami dorati, bronzo e nero impregnati di luce naturale, come i tessuti sospesi, vengono a creare un gioco di superfici stratificate e sfumate, che si inseriscono con naturalezza nel contesto, senza volontà di dominare. La leggerezza dello chiffon e della seta diventa un ponte tra i materiali più solidi e le texture ricche della chiesa, aprendo nuovi spazi di percezione.
I lavori di Anna Caterina si inseriscono come un arazzo lieve in un ambiente ricco di trame, agendo come filamenti di senso tra passato e presente. La loro semplicità si fonde con la raffinatezza degli arredi e dei dettagli decorativi, trasformando l’esperienza visiva in uno spunto di introspezione e riflessione. Nel contesto della mostra diffusa, le opere di Anna Caterina rivestono il ruolo di stimoli sensoriali e simbolici, arricchendo il luogo con un linguaggio che invita a una meditazione silenziosa, tra la materialità delle stoffe e l’essenzialità degli elementi architettonici. Un’installazione che rispetta e rivela, allo stesso tempo, la natura spirituale della chiesa. |
Lo Specchio di Helios
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Ricordo floreale
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La Chiesa di San Francesco si presenta come un ambiente ricco di dettagli storici e decorativi: le superfici in pietra locale, gli stucchi del XVIII secolo e le maioliche colorate si integrano in un’atmosfera di quieta contemplazione. In questa cornice, sarà esposta una sola immagine di circa 1,50 metri di altezza: una mano che porge dei fiori di buganvillea. Intorno alla chiesa, le piante di buganvillea si intrecciano con il paesaggio, creando un mosaico di colore e vitalità che si dilata nello spazio. Il ricamo dorato dell’opera si lega alla ricchezza decorativa dell’edificio, mentre nei fiori di buganvillea è stato realizzato un piccolo dettaglio di grande significato: un’ape, anch’essa in fili dorati, simbolo di cura, rinascita e lavoro incessante. Questa immagine, concepita come un gesto di percezione e di dono, invita a riflettere sulla relazione tra l’umano e la natura, tra memoria e presenza. La mano che offre i fiori diventa un simbolo di condivisione e di speranza, mentre l’ape in filo dorato sottolinea il valore di cura e di trasformazione, all’interno di un luogo capace di unire sacro e naturale. In questa esperienza, la chiesa si trasforma in uno spazio di percezione sensoriale e meditativa, dove arte, natura e simboli si fondono in un dialogo silenzioso. Il gesto della mano e i dettagli dei fiori si fanno chiave di lettura per un’esperienza che invita l’osservatore a immergersi in un senso di armonia tra arte e natura.
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La Chiesa di Porto Salvo : Nel suggestivo contesto del porto di Maratea, la chiesa di Maria SS. del Porto Salvo si presenta come uno scrigno di storia e di miti marinari. Con la sua struttura a navata unica, caratterizzata da pareti in muratura e una volta a botte ribassata, si inserisce armoniosamente tra i dettagli architettonici del XVIII secolo: il portale architravato con lunetta arcuata, le lesene binate e il campanile decorato con elementi classici, tra colonne e capitelli corinzi. All’interno, tra statue di sant’Andrea, San Giuseppe con Bambino e il Sacro Cuore di Gesù, si custodisce la memoria di un’iconografia che unisce il mondo dei pescatori, delle opere del mare e della devozione. Al centro della navata, il dipinto della Madonna Immacolata e sopra l’altare, la statua in legno della Madonna di Porto Salvo rievocano la suggestiva processione che, ogni anno, attraversa il mare e la terra, portando la devozione dell’intera comunità marinara. In questa cornice, si inserisce il nostro intervento: una serie di piccole fotografie di conchiglie, meduse e coralli, decorate e ricamate con fili dorati, che dialogano con il tema della processione, delle icone e delle memorie marine. Questi elementi, collocati lungo le pareti come la rappresentazioni della Via Crucis, rispecchiano frammenti di percezione, posti tra superficie marina e superficie di memoria. La conchiglia, simbolo di accoglienza e di riposo nelle acque profonde, si fa portatrice di un senso di ospitalità, rivelando un legame tra i riti marittimi e le tradizioni di pesca. L’insieme degli elementi si configura come un invito ad approfondire il rapporto tra uomo, natura e spiritualità, nel rispetto della tradizione e della memoria. La presenza delle opere di Anna Caterina Masotti si inserisce come un gesto di percezione e di dono al mare e alla comunità, amplificando la potenza simbolica di questo luogo sacro e marino: un ponte tra passato e presente, tra il quotidiano dei pescatori e la spiritualità del mare.
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Eco Sacro del Mare
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THEA MARIS
Anna Caterina Masotti
Thea Maris nasce da un’esplorazione visiva dell'armonia e della bellezza. Al centro di questa narrazione vi è una giovane adolescente in procinto di entrare nell'età adulta, immersa in un mondo in cui il mare e la natura fanno da sfondo a questa transizione cruciale. Riscoprendo antichi codici e riferimenti alla Grecia classica, ho reinterpretato l’idea di bellezza attraverso forme e tecniche contemporanee. Le immagini sono state scattate quasi tutte nella stessa location, Maratea. Qui, mia madre era incinta di me al sesto mese, e il mio destino era ancora nascosto nel suo grembo. Maratea non è solo un semplice sfondo; è un teatro delle estati della mia infanzia trascorse con lei, dove il sole e le onde danzavano insieme a noi. Oggi torno in questo mare con mia figlia, creando un legame che si rinnova e si arricchisce come ogni onda che bacia la riva. Da qui nasce il nome del progetto, Thea Maris, che racchiude non solo l'essenza del mare, ma anche la forza del legame tra madre e figlia che si intrecciano in questo paesaggio intriso di storia e amore. La memoria trasforma Afrodite in una giovane dallo spirito moderno, come suggeriscono le “formule espressive dell’emozione” di Aby Warburg. Seguendo questa ispirazione, ho creato scene marine e subacquee che celebrano la bellezza della natura e il legame profondo fra l’essere umano e l’ambiente. Come insegnava Aristotele, ordine e simmetria sono elementi chiave della bellezza, e il mare, culla della dea Afrodite secondo Esiodo, assume un significato profondo in questo racconto: simbolo di nascita e trasformazione, può essere visto anche come un liquido amniotico in cui sia la fanciulla che la natura si rigenerano e vengono protetti. In questo modo, il mare riflette l’eterna tensione tra quiete e movimento, offrendo un rifugio sicuro in cui le energie vitali possono emergere e crescere.
Le opere che vedrete in questa mostra non sono pensate solo per essere osservate, ma per permettere a chi guarda di sentirsi parte integrante della composizione. I ricami che arricchiscono alcune immagini sono la mia firma personale, un simbolo che racchiude l’esperienza di vita e il legame con la bellezza. In ogni creazione, l’armonia scaturisce da contrasti bilanciati. Le ombre profonde non appesantiscono la composizione, ma amplificano la luce, sia nelle fotografie stampate su stoffa che nella video-installazione. Allo stesso modo, il terreno aspro e ruvido trova il proprio equilibrio nei morbidi drappeggi, evocando l’armonia degli opposti di Eraclito. Questo contrasto evidenzia come la bellezza possa nascere dall’incontro tra elementi diversi e apparentemente discordanti. Spero che Thea Maris possa accompagnarvi in un viaggio verso una bellezza che non è tanto ricerca della perfezione, quanto l’intima comprensione tra una passione personale e l’universo, quella forma d’amore che, come la filia dell’antica Grecia, abbraccia la vita stessa.
...ad Olga
Anna Caterina Masotti
Thea Maris nasce da un’esplorazione visiva dell'armonia e della bellezza. Al centro di questa narrazione vi è una giovane adolescente in procinto di entrare nell'età adulta, immersa in un mondo in cui il mare e la natura fanno da sfondo a questa transizione cruciale. Riscoprendo antichi codici e riferimenti alla Grecia classica, ho reinterpretato l’idea di bellezza attraverso forme e tecniche contemporanee. Le immagini sono state scattate quasi tutte nella stessa location, Maratea. Qui, mia madre era incinta di me al sesto mese, e il mio destino era ancora nascosto nel suo grembo. Maratea non è solo un semplice sfondo; è un teatro delle estati della mia infanzia trascorse con lei, dove il sole e le onde danzavano insieme a noi. Oggi torno in questo mare con mia figlia, creando un legame che si rinnova e si arricchisce come ogni onda che bacia la riva. Da qui nasce il nome del progetto, Thea Maris, che racchiude non solo l'essenza del mare, ma anche la forza del legame tra madre e figlia che si intrecciano in questo paesaggio intriso di storia e amore. La memoria trasforma Afrodite in una giovane dallo spirito moderno, come suggeriscono le “formule espressive dell’emozione” di Aby Warburg. Seguendo questa ispirazione, ho creato scene marine e subacquee che celebrano la bellezza della natura e il legame profondo fra l’essere umano e l’ambiente. Come insegnava Aristotele, ordine e simmetria sono elementi chiave della bellezza, e il mare, culla della dea Afrodite secondo Esiodo, assume un significato profondo in questo racconto: simbolo di nascita e trasformazione, può essere visto anche come un liquido amniotico in cui sia la fanciulla che la natura si rigenerano e vengono protetti. In questo modo, il mare riflette l’eterna tensione tra quiete e movimento, offrendo un rifugio sicuro in cui le energie vitali possono emergere e crescere.
Le opere che vedrete in questa mostra non sono pensate solo per essere osservate, ma per permettere a chi guarda di sentirsi parte integrante della composizione. I ricami che arricchiscono alcune immagini sono la mia firma personale, un simbolo che racchiude l’esperienza di vita e il legame con la bellezza. In ogni creazione, l’armonia scaturisce da contrasti bilanciati. Le ombre profonde non appesantiscono la composizione, ma amplificano la luce, sia nelle fotografie stampate su stoffa che nella video-installazione. Allo stesso modo, il terreno aspro e ruvido trova il proprio equilibrio nei morbidi drappeggi, evocando l’armonia degli opposti di Eraclito. Questo contrasto evidenzia come la bellezza possa nascere dall’incontro tra elementi diversi e apparentemente discordanti. Spero che Thea Maris possa accompagnarvi in un viaggio verso una bellezza che non è tanto ricerca della perfezione, quanto l’intima comprensione tra una passione personale e l’universo, quella forma d’amore che, come la filia dell’antica Grecia, abbraccia la vita stessa.
...ad Olga
Silenzio tra le Nuvole
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Per info sulla mostra e per ospitarla nella vostra città scrivere a:
[email protected] |
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English translation:
THEA MARIS RETURN TO THE ORIGIN
Resonances of the sea between infinity and abyss.
A Widespread Exhibition as a Tool for Perception
Laura Frasca
Anna Caterina Masotti's widespread exhibition presents itself as an experience that transcends the mere image. It's an invitation to a meditative journey, where myth and nature flex into a visual narrative that challenges perception. The photographs, taken in Maratea, become not only representations of the landscape but tools for an amplified perception, an exercise in abstraction that asks the observer to question the relationships between past and present, between generations and archetypes. Maratea, with its balance between sea and mountains, takes on the role of subject and medium.
The sea itself emerges as a symbol: a source of metamorphosis and mythological unions, a womb that recalls Aphrodite, a symbol of birth and beauty. The representation of this myth is never static, but vibrant, pulsating, an image that comes alive through the use of light and transparent materials like silk and chiffon, which, thanks to light, become carriers of an interaction between surface and depth. Every reflection, every play of transparencies becomes a field of tension between physicality and immateriality, between form and emptiness.
The textures woven with golden, bronze, and black threads are more than mere ornaments: they become signs of care, actions of a relationship that extends between work and perception. They transform waves into imaginary landscapes, not just as optical illusions, but as manifestations of creative and regenerative processes. The large scale of the works – some up to four meters high – amplifies this tension between presence and absence, between matter and light, between the visual code and the mystery hidden behind it. Each image converts into an allegory: the sea is not just a backdrop, but a universal cornucopia, pulsating with meaning, custodian of myths and rebirths. The exhibition also becomes a space for reflection on maternity as a metaphor for creation, transformation, and resilience. The presence of the artist's young daughter – a symbol of passage and growth – fits into this continuum, embodying a narrative that goes beyond the individual, alluding to the intertwining of archetypes and contemporary reality. In this operation, visual perception is not accidental. It is structured according to the principles of Gestalt psychology, which investigates how the human mind organizes and interprets stimuli. The arrangement of elements – lines, shapes, proximity relationships – becomes a strategy of an intelligence that makes clear and immediate what is complex, infiltrating the way we look and feel. Clarity does not eliminate mystery, but makes it explicit, creating a perceptual field in which the image becomes a device of meaning, in constant dialogue with the observer's subjectivity.
Spaces of ConnectionThe chosen locations are not mere frames, but actively participate in the narrative. The exhibition spaces amplify the meaning of the works, transforming the visit into a sentimental journey through Maratea's history and identity. Light, a key element in Anna Caterina's poetics, transforms each image into an object of contemplation. Every embroidery, every transparency, is charged with a sense of care and connection.
Among the venues hosting the exhibition:
Thea Maris is not just an exhibition, but a sensory and intellectual experience that invites reflection on the inseparable link between nature and humanity.
Palazzo De Lieto: In the ancient heart of Maratea, Palazzo De Lieto stands as a witness to centuries of history and culture, transforming into a symbol of continuity between past and present. This 18th-century noble building, with its elegant loggia, large stone portal, and sculpted details recalling 18th-century decorativism, houses a rich collection of memories and stories. The art gallery, dedicated to the painter Angelo Brando, and the archaeological section, with ancient Roman anchors recovered from the seabed of Santo Janni, constitute a continuum between the territory, the sea, and artistic expression. Anna Caterina Masotti's works, inspired by marine and mythological symbolism linked to the goddess Aphrodite, find an additional context of meaning in these environments. The exhibition explores the myth of Venus, goddess of love and beauty, and her connection to the sea, a central element in Maratea's history. The presence of Roman anchors, icons of stability and travel, fits into the dialogue between archaeology and collective memory. In particular, the anchor called Venus, evocative of Venus's birth from the sea foam, becomes a symbol of rebirth, purity, and rootedness in the territory. Masotti's light and impalpable works, created with golden threads and refined embroidery techniques, dialogue with the archaeological and figurative elements of the place, creating contrasts between solidity and lightness, between historical memory and mythological imagination. The choice to recall the marine element on the walls of the art gallery – small pieces that recall the subtle strength and mystery of the sea – further enriches the exhibition, emphasizing the link between maritime traditions and archetypal symbols. The restoration and enhancement process of the palace itself highlights how contemporary art is particularly suited to dialoguing with territories and the symbols that represent them, creating a bridge between historical preservation and current expression. The artistic project Thea Maris, therefore, becomes a spokesperson for an identity that is nourished by the sea, archaeology, history, and femininity, in a place where heritage reinvents and renews itself through art, contributing to writing new pages in the memory of the Maratea community.
Altri Turismi ETS Exhibition Space: Where tradition and contemporaneity meet within the former carpentry shop on Strada Sospiro, Anna Caterina Masotti's works find a home that amplifies their meaning. Photographic prints embroidered on silk and chiffon, along with images transferred onto ceramic and sculptural lamps, embody the same artisanal care that once characterized woodworking in this space. Each piece is unique, combining precious materials and refined design to celebrate the encounter between tradition and innovation. These works, also available for purchase, represent an ideal continuity between the place's artisan past and the exhibition's contemporary aesthetic. The silk, with its transparency and lightness, interacts with light, transforming the exhibition space into a dynamic and meditative environment, while the ceramics and lamps recall the solidity and tangibility of past creations. In this context, the Altri Turismi ETS Exhibition Space becomes more than just a frame: it is a vital node where the history of the place and the visual narrative of Thea Maris intertwine.
Church of the Immacolata: In the delicate setting of the Church of the Immacolata, Anna Caterina Masotti's works dialogue with its characteristic details and surfaces: the subtly hinted stuccoes, colorful majolica tiles, polished stone, and the warmth of the wood. The installations, imposing in size yet light in materials, seek a balance between presence and transparency. Golden, bronze, and black embroideries imbued with natural light, like suspended fabrics, create a play of layered and nuanced surfaces that naturally fit into the context, without intending to dominate. The lightness of chiffon and silk becomes a bridge between the more solid materials and the rich textures of the church, opening new spaces of perception. Anna Caterina's works are inserted like a delicate tapestry into an environment rich in textures, acting as filaments of meaning between past and present. Their simplicity blends with the sophistication of the furnishings and decorative details, transforming the visual experience into a source of introspection and reflection. In the context of the widespread exhibition, Masotti's works serve as sensory and symbolic stimuli, enriching the place with a language that invites silent meditation, between the materiality of the fabrics and the essentiality of the architectural elements. An installation that respects and, at the same time, reveals the spiritual nature of the church.
The Church of San Francesco presents itself as an environment rich in historical and decorative details: the local stone surfaces, 18th-century stuccoes, and colorful majolica tiles integrate into an atmosphere of quiet contemplation. In this setting, a single image approximately 1.50 meters high will be exhibited: a hand offering bougainvillea flowers. Around the church, bougainvillea plants intertwine with the landscape, creating a mosaic of color and vitality that expands into space. The golden embroidery of the work connects to the decorative richness of the building, while a small, highly significant detail has been created in the bougainvillea flowers: a bee, also in golden threads, symbolizing care, rebirth, and incessant work. This image, conceived as a gesture of perception and giving, invites reflection on the relationship between humanity and nature, between memory and presence. The hand offering the flowers becomes a symbol of sharing and hope, while the golden thread bee emphasizes the value of care and transformation, within a place capable of uniting the sacred and the natural. In this experience, the church transforms into a space of sensory and meditative perception, where art, nature, and symbols merge in a silent dialogue. The gesture of the hand and the details of the flowers become a key to understanding an experience that invites the observer to immerse themselves in a sense of harmony between art and nature.
The Church of Porto Salvo: In the evocative setting of Maratea's port, the church of Maria SS. del Porto Salvo presents itself as a treasure chest of history and maritime myths. With its single-nave structure, characterized by masonry walls and a lowered barrel vault, it harmoniously fits among the 18th-century architectural details: the architraved portal with an arched lunette, twin pilasters, and a bell tower decorated with classical elements, including columns and Corinthian capitals. Inside, among statues of Saint Andrew, Saint Joseph with Child, and the Sacred Heart of Jesus, the memory of an iconography that unites the world of fishermen, the works of the sea, and devotion is preserved. In the center of the nave, the painting of the Immaculate Madonna and above the altar, the wooden statue of the Madonna di Porto Salvo evoke the evocative procession that, every year, crosses the sea and land, carrying the devotion of the entire seafaring community. In this setting, our intervention is introduced: a series of small photographs of shells, jellyfish, and corals, decorated and embroidered with golden threads, which dialogue with the theme of the procession, icons, and marine memories. These elements, placed along the walls like representations of the Way of the Cross, offer themselves as fragments of perception, placed between the marine surface and the surface of memory. The shell, a symbol of welcome and rest in deep waters, becomes a bearer of hospitality, revealing a link between maritime rites and fishing traditions. The ensemble of elements is configured as an invitation to deepen the relationship between humanity, nature, and spirituality, respecting tradition and memory. The presence of Anna Caterina Masotti's works is inserted as a gesture of perception and giving to the sea and the community, amplifying the symbolic power of this sacred and marine place: a bridge between past and present, between the daily life of fishermen and the spirituality of the sea.
THEA MARIS
Anna Caterina Masotti
Thea Maris is born from a visual exploration of harmony and beauty. At the center of this narrative is a young adolescent on the verge of entering adulthood, immersed in a world where the sea and nature serve as a backdrop for this crucial transition. By rediscovering ancient codes and references to classical Greece, I reinterpreted the idea of beauty through contemporary forms and techniques. The images were almost all taken in the same location, Maratea. Here, my mother was six months pregnant with me, and my destiny was still hidden in her womb. Maratea is not just a simple backdrop; it is a theatre of my childhood summers spent with her, where the sun and waves danced with us. Today I return to this sea with my daughter, creating a bond that renews and enriches itself like every wave that kisses the shore. From here comes the project name, Thea Maris, which encapsulates not only the essence of the sea, but also the strength of the bond between mother and daughter intertwining in this landscape steeped in history and love. Memory transforms Aphrodite into a young woman with a modern spirit, as suggested by Aby Warburg's "expressive formulas of emotion." Following this inspiration, I created marine and underwater scenes that celebrate the beauty of nature and the deep connection between human beings and the environment. As Aristotle taught, order and symmetry are key elements of beauty, and the sea, the cradle of the goddess Aphrodite according to Hesiod, takes on a profound meaning in this narrative: a symbol of birth and transformation, it can also be seen as amniotic fluid in which both the maiden and nature regenerate and are protected. In this way, the sea reflects the eternal tension between stillness and movement, offering a safe haven where vital energies can emerge and grow.
The works you will see in this exhibition are not just meant to be observed, but to allow the viewer to feel an integral part of the composition. The embroideries that enrich some images are my personal signature, a symbol that encapsulates the life experience and the connection to beauty. In every creation, harmony arises from balanced contrasts. Deep shadows do not weigh down the composition, but amplify the light, both in the photographs printed on fabric and in the video installation. Similarly, the harsh and rough ground finds its balance in soft draperies, evoking Heraclitus' harmony of opposites. This contrast highlights how beauty can arise from the encounter between diverse and seemingly discordant elements. I hope that Thea Maris can accompany you on a journey towards a beauty that is not so much a search for perfection, but an intimate understanding between a personal passion and the universe, that form of love that, like the philia of ancient Greece, embraces life itself.
...to Olga
THEA MARIS RETURN TO THE ORIGIN
Resonances of the sea between infinity and abyss.
A Widespread Exhibition as a Tool for Perception
Laura Frasca
Anna Caterina Masotti's widespread exhibition presents itself as an experience that transcends the mere image. It's an invitation to a meditative journey, where myth and nature flex into a visual narrative that challenges perception. The photographs, taken in Maratea, become not only representations of the landscape but tools for an amplified perception, an exercise in abstraction that asks the observer to question the relationships between past and present, between generations and archetypes. Maratea, with its balance between sea and mountains, takes on the role of subject and medium.
The sea itself emerges as a symbol: a source of metamorphosis and mythological unions, a womb that recalls Aphrodite, a symbol of birth and beauty. The representation of this myth is never static, but vibrant, pulsating, an image that comes alive through the use of light and transparent materials like silk and chiffon, which, thanks to light, become carriers of an interaction between surface and depth. Every reflection, every play of transparencies becomes a field of tension between physicality and immateriality, between form and emptiness.
The textures woven with golden, bronze, and black threads are more than mere ornaments: they become signs of care, actions of a relationship that extends between work and perception. They transform waves into imaginary landscapes, not just as optical illusions, but as manifestations of creative and regenerative processes. The large scale of the works – some up to four meters high – amplifies this tension between presence and absence, between matter and light, between the visual code and the mystery hidden behind it. Each image converts into an allegory: the sea is not just a backdrop, but a universal cornucopia, pulsating with meaning, custodian of myths and rebirths. The exhibition also becomes a space for reflection on maternity as a metaphor for creation, transformation, and resilience. The presence of the artist's young daughter – a symbol of passage and growth – fits into this continuum, embodying a narrative that goes beyond the individual, alluding to the intertwining of archetypes and contemporary reality. In this operation, visual perception is not accidental. It is structured according to the principles of Gestalt psychology, which investigates how the human mind organizes and interprets stimuli. The arrangement of elements – lines, shapes, proximity relationships – becomes a strategy of an intelligence that makes clear and immediate what is complex, infiltrating the way we look and feel. Clarity does not eliminate mystery, but makes it explicit, creating a perceptual field in which the image becomes a device of meaning, in constant dialogue with the observer's subjectivity.
Spaces of ConnectionThe chosen locations are not mere frames, but actively participate in the narrative. The exhibition spaces amplify the meaning of the works, transforming the visit into a sentimental journey through Maratea's history and identity. Light, a key element in Anna Caterina's poetics, transforms each image into an object of contemplation. Every embroidery, every transparency, is charged with a sense of care and connection.
Among the venues hosting the exhibition:
- Spazio espositivo AltriTurismi: an artisan workshop converted into a contemporary gallery, symbolizing the dialogue between tradition and innovation.
- The Churches of Maratea: such as the Church of the Immacolata, San Francesco, and Madonna di Porto Salvo. These sacred spaces enrich the spiritual dimension of the works, offering a context for reflection.
- Palazzo De Lieto: an 18th-century former hospital, now a museum complex. Here, the exhibition's themes – care, transformation, rebirth – find a natural resonance. In these contexts, the works establish a profound dialogue with the history and memory of the places.
Thea Maris is not just an exhibition, but a sensory and intellectual experience that invites reflection on the inseparable link between nature and humanity.
Palazzo De Lieto: In the ancient heart of Maratea, Palazzo De Lieto stands as a witness to centuries of history and culture, transforming into a symbol of continuity between past and present. This 18th-century noble building, with its elegant loggia, large stone portal, and sculpted details recalling 18th-century decorativism, houses a rich collection of memories and stories. The art gallery, dedicated to the painter Angelo Brando, and the archaeological section, with ancient Roman anchors recovered from the seabed of Santo Janni, constitute a continuum between the territory, the sea, and artistic expression. Anna Caterina Masotti's works, inspired by marine and mythological symbolism linked to the goddess Aphrodite, find an additional context of meaning in these environments. The exhibition explores the myth of Venus, goddess of love and beauty, and her connection to the sea, a central element in Maratea's history. The presence of Roman anchors, icons of stability and travel, fits into the dialogue between archaeology and collective memory. In particular, the anchor called Venus, evocative of Venus's birth from the sea foam, becomes a symbol of rebirth, purity, and rootedness in the territory. Masotti's light and impalpable works, created with golden threads and refined embroidery techniques, dialogue with the archaeological and figurative elements of the place, creating contrasts between solidity and lightness, between historical memory and mythological imagination. The choice to recall the marine element on the walls of the art gallery – small pieces that recall the subtle strength and mystery of the sea – further enriches the exhibition, emphasizing the link between maritime traditions and archetypal symbols. The restoration and enhancement process of the palace itself highlights how contemporary art is particularly suited to dialoguing with territories and the symbols that represent them, creating a bridge between historical preservation and current expression. The artistic project Thea Maris, therefore, becomes a spokesperson for an identity that is nourished by the sea, archaeology, history, and femininity, in a place where heritage reinvents and renews itself through art, contributing to writing new pages in the memory of the Maratea community.
Altri Turismi ETS Exhibition Space: Where tradition and contemporaneity meet within the former carpentry shop on Strada Sospiro, Anna Caterina Masotti's works find a home that amplifies their meaning. Photographic prints embroidered on silk and chiffon, along with images transferred onto ceramic and sculptural lamps, embody the same artisanal care that once characterized woodworking in this space. Each piece is unique, combining precious materials and refined design to celebrate the encounter between tradition and innovation. These works, also available for purchase, represent an ideal continuity between the place's artisan past and the exhibition's contemporary aesthetic. The silk, with its transparency and lightness, interacts with light, transforming the exhibition space into a dynamic and meditative environment, while the ceramics and lamps recall the solidity and tangibility of past creations. In this context, the Altri Turismi ETS Exhibition Space becomes more than just a frame: it is a vital node where the history of the place and the visual narrative of Thea Maris intertwine.
Church of the Immacolata: In the delicate setting of the Church of the Immacolata, Anna Caterina Masotti's works dialogue with its characteristic details and surfaces: the subtly hinted stuccoes, colorful majolica tiles, polished stone, and the warmth of the wood. The installations, imposing in size yet light in materials, seek a balance between presence and transparency. Golden, bronze, and black embroideries imbued with natural light, like suspended fabrics, create a play of layered and nuanced surfaces that naturally fit into the context, without intending to dominate. The lightness of chiffon and silk becomes a bridge between the more solid materials and the rich textures of the church, opening new spaces of perception. Anna Caterina's works are inserted like a delicate tapestry into an environment rich in textures, acting as filaments of meaning between past and present. Their simplicity blends with the sophistication of the furnishings and decorative details, transforming the visual experience into a source of introspection and reflection. In the context of the widespread exhibition, Masotti's works serve as sensory and symbolic stimuli, enriching the place with a language that invites silent meditation, between the materiality of the fabrics and the essentiality of the architectural elements. An installation that respects and, at the same time, reveals the spiritual nature of the church.
The Church of San Francesco presents itself as an environment rich in historical and decorative details: the local stone surfaces, 18th-century stuccoes, and colorful majolica tiles integrate into an atmosphere of quiet contemplation. In this setting, a single image approximately 1.50 meters high will be exhibited: a hand offering bougainvillea flowers. Around the church, bougainvillea plants intertwine with the landscape, creating a mosaic of color and vitality that expands into space. The golden embroidery of the work connects to the decorative richness of the building, while a small, highly significant detail has been created in the bougainvillea flowers: a bee, also in golden threads, symbolizing care, rebirth, and incessant work. This image, conceived as a gesture of perception and giving, invites reflection on the relationship between humanity and nature, between memory and presence. The hand offering the flowers becomes a symbol of sharing and hope, while the golden thread bee emphasizes the value of care and transformation, within a place capable of uniting the sacred and the natural. In this experience, the church transforms into a space of sensory and meditative perception, where art, nature, and symbols merge in a silent dialogue. The gesture of the hand and the details of the flowers become a key to understanding an experience that invites the observer to immerse themselves in a sense of harmony between art and nature.
The Church of Porto Salvo: In the evocative setting of Maratea's port, the church of Maria SS. del Porto Salvo presents itself as a treasure chest of history and maritime myths. With its single-nave structure, characterized by masonry walls and a lowered barrel vault, it harmoniously fits among the 18th-century architectural details: the architraved portal with an arched lunette, twin pilasters, and a bell tower decorated with classical elements, including columns and Corinthian capitals. Inside, among statues of Saint Andrew, Saint Joseph with Child, and the Sacred Heart of Jesus, the memory of an iconography that unites the world of fishermen, the works of the sea, and devotion is preserved. In the center of the nave, the painting of the Immaculate Madonna and above the altar, the wooden statue of the Madonna di Porto Salvo evoke the evocative procession that, every year, crosses the sea and land, carrying the devotion of the entire seafaring community. In this setting, our intervention is introduced: a series of small photographs of shells, jellyfish, and corals, decorated and embroidered with golden threads, which dialogue with the theme of the procession, icons, and marine memories. These elements, placed along the walls like representations of the Way of the Cross, offer themselves as fragments of perception, placed between the marine surface and the surface of memory. The shell, a symbol of welcome and rest in deep waters, becomes a bearer of hospitality, revealing a link between maritime rites and fishing traditions. The ensemble of elements is configured as an invitation to deepen the relationship between humanity, nature, and spirituality, respecting tradition and memory. The presence of Anna Caterina Masotti's works is inserted as a gesture of perception and giving to the sea and the community, amplifying the symbolic power of this sacred and marine place: a bridge between past and present, between the daily life of fishermen and the spirituality of the sea.
THEA MARIS
Anna Caterina Masotti
Thea Maris is born from a visual exploration of harmony and beauty. At the center of this narrative is a young adolescent on the verge of entering adulthood, immersed in a world where the sea and nature serve as a backdrop for this crucial transition. By rediscovering ancient codes and references to classical Greece, I reinterpreted the idea of beauty through contemporary forms and techniques. The images were almost all taken in the same location, Maratea. Here, my mother was six months pregnant with me, and my destiny was still hidden in her womb. Maratea is not just a simple backdrop; it is a theatre of my childhood summers spent with her, where the sun and waves danced with us. Today I return to this sea with my daughter, creating a bond that renews and enriches itself like every wave that kisses the shore. From here comes the project name, Thea Maris, which encapsulates not only the essence of the sea, but also the strength of the bond between mother and daughter intertwining in this landscape steeped in history and love. Memory transforms Aphrodite into a young woman with a modern spirit, as suggested by Aby Warburg's "expressive formulas of emotion." Following this inspiration, I created marine and underwater scenes that celebrate the beauty of nature and the deep connection between human beings and the environment. As Aristotle taught, order and symmetry are key elements of beauty, and the sea, the cradle of the goddess Aphrodite according to Hesiod, takes on a profound meaning in this narrative: a symbol of birth and transformation, it can also be seen as amniotic fluid in which both the maiden and nature regenerate and are protected. In this way, the sea reflects the eternal tension between stillness and movement, offering a safe haven where vital energies can emerge and grow.
The works you will see in this exhibition are not just meant to be observed, but to allow the viewer to feel an integral part of the composition. The embroideries that enrich some images are my personal signature, a symbol that encapsulates the life experience and the connection to beauty. In every creation, harmony arises from balanced contrasts. Deep shadows do not weigh down the composition, but amplify the light, both in the photographs printed on fabric and in the video installation. Similarly, the harsh and rough ground finds its balance in soft draperies, evoking Heraclitus' harmony of opposites. This contrast highlights how beauty can arise from the encounter between diverse and seemingly discordant elements. I hope that Thea Maris can accompany you on a journey towards a beauty that is not so much a search for perfection, but an intimate understanding between a personal passion and the universe, that form of love that, like the philia of ancient Greece, embraces life itself.
...to Olga
